ganaart

Gana Art has organized an online exhibition 《Ontact》 that reflects the trends of any current changes due to the spread of COVID-19 in 2020. ‘Ontact’ is a combination of the term ‘Untact’ meaning non-face-to-face and the word ‘On’, and it refers to the concept of continuation of external activities in online space. Face-to-face communication has become difficult with the emphasis on individual separation across the society, and the situation prompted the non-face-to-face connection and external communication through online. Accordingly, Gana Art suggests the possibility of using online space by restructuring the website and organizing the exhibition. This exhibition consists of works from Moon Hyeongtae , Chiharu Shiota, Eddie Kang, Yeesookyung, Lee Youngrim, Ha Taeim, Huh Myungwook, and Hur Shan, which reflect their experiences of life as they are, and Gana Art seeks to make contact with those in the insipid situation of social distancing in memory of the ordinary life.

가나아트는 2020년 코로나19 바이러스의 확산으로 변화를 겪고 있는 동시대의 흐름을 반영한 온라인 전시 《Ontact》를 기획했다. 전시명 ‘온택트(Ontact)’는 신조어로, 비대면을 일컫는 ‘언택트(Untact)’에 ‘연결(On)’를 더한 개념으로서 직접 대면하지 않고, 온라인 공간을 통해 외부 활동을 이어 나가는 것을 뜻한다. 사회 전반적으로 개개인의 분리가 강조됨에 따라, 대면 소통이 어려워졌으며 이는 온라인을 통한 비대면의 외부 연결과 소통이 중시되는 계기가 되었다. 이에 따라 가나아트는 새롭게 웹페이지를 개편하고, 전시를 기획함으로써 온라인 공간 활용의 가능성을 제시해보고자 한다. 본 전시는 삶의 경험을 그대로 투영하여 작업을 전개하는 문형태, 시오타 치하루, 에디강, 이수경, 이영림, 하태임, 허명욱, 허산의 작품들로 구성되었으며 그들의 작품을 통해 평범한 일상이 그리운 무미건조한 사회적 거리두기 속 삶에 접촉(Contact)을 시도해 보고자 한다.

Moon Hyeongtae (b.1976-) is skillful at embodying daily objects with a dreamy atmosphere through his wit and intentional distortion, and his series of artwork features main concepts in symbolic numbers with its colorful tone, thick matière, destruction of a figure’s face expressing inner feelings and personal experience. Eddie Kang (b.1980-) approaches the viewers with a medium for conveying happiness by embodying images of pleasant memories from their youth and happy experiences of everyday life as characters. Through his paintings of ideal happy places, contrasting to the performance and competition-oriented contemporary society and the highly individualistic urban society, Eddie Kang gives comfort to modern people.

일상적 소재를 재치와 비틀기를 통해 몽환적 화면으로 표현하는 문형태(b.1976- )는 화사한 색채, 두터운 메티에르와 감정의 내면을 드러낸 듯한 해체된 안면 묘사와 개인적인 경험을 승화시켜 주요 개념을 숫자화하여 표현한 화면이 특징이다. 에디강(b.1980- )은 유년시절의 기억과 추억 등 일상속의 행복한 경험을 상기시키는 이미지를 캐릭터로 구현하여 행복을 전하는 메개체로 대중에게 다가선다. 성과만을 목표로 하는 경쟁위주의 현대사회, 개인주의가 팽배한 도시사회와는 대비되는 이상적인 해피 플레이스를 그려 냄으로써 에디강은 지친 현대인들을 위로한다.

Gana Art introduces Yeesookyung , Lee Youngrim, and Hur Shan who recreates familiar objects that exist in everyday life. Yeesookyung(b.1963-) reconstructs a new form of sculptures by collecting and reconstructing shards of destroyed ceramics which skillful ceramic masters discarded due to minor defects. The artist fabricates new narratives with her own translation and provides healing experience by adhering the fragments back together and covering the cracks in gold.

일상 속에 존재하는 익숙한 소재를 작가에 의해 새롭게 재구성하는 이수경, 이영림, 허산을 소개한다. 이수경(b.1963- )은 도자 공방의 도예 장인들이 깨서 버린 도자기 파편을 모아 새로운 형태로 만들어 낸다. 작가는 그 파편들의 틈새를 금(金)으로 메워 버려진 것들에 새로운 의미를 부여하고, 경험이나 상처를 치유한다 여긴다.

“When the ceramics break, it can be said to be in such a comfortable state. I am curious about the moment when the symmetry collapses if I look at the perfect symmetry. In fact, there is no perfect symmetry in life, and if it does, it is artificial. So when I see the broken fragments, I feel the beauty in itself. […] I wish the more I work on my artwork, the more beautiful it to be, and that is the same for myself. I want to be mentally healthy and I hope my work can release healthy energy as well.

Korea Artist Prize 2012, Interview- Yeesookyung

“도자기가 깨졌다라는 것은 도자기가 너무나도 편안한 상태라고 할 수 있다. 나는 완벽한 대칭를 보면, 그 대칭이 무너졌을 때가 궁금하다. 왜냐하면 사실 현실에는 완벽한 좌우대칭의 상태가 존재하지 않고, 인위적인 것이기 때문이다. 그래서 나는 깨진 파편들을 보면, 그 자체가 아름답다고 느낀다. […] 나의 작업은 하면 할수록 아름다워졌으면 좋겠고, 그것은 나 자신도 마찬가지다. 정신적으로도 건강해지기 원하고 나의 작품에서도 건강의 에너지가 발산이 되길 바란다.”

Korea Artist Prize 2012, 인터뷰- 이수경

Lee Youngrim who has studied cognitive psychology reinterprets the woods that are commonly found from her own perspective. The artist reveals her unique passage by distinguishing between the perspective of the flatness of three-dimension and the perspective of the three-dimension of flatness, and gathered the plywood three-dimensionally similar to how painters put layers of paint to reveal the materiality. Hur Shan (b. 1980-) provides spectators unfamiliar experiences and stimulates their imaginations by installing familiar objects in unfamiliar spaces. In addition, through this process of realization of the space as ‘fake’, the whole space itself becomes an artwork. This particular work for the exhibition is a combination of the two different elements that cannot be together which add interesting points.

오랜 시간 동안 인지심리학을 공부한  이영림은 주변에서 흔히 보는 나무를 자신만의 시각으로 재해석한다. 입체의 평면을 보는 시각과 평면의 입체를 보는 시각을 구분하는 등 작품을 통해 그만의 독특한 행보를 가감없이 드러내며 나무의 물성을 살리는 작업을 구현하기 위해 물감을 층층이 쌓는 화가들처럼 나무를 입체적으로 집적(集積)하여 표현하였다. 허산(b. 1980-)은 익숙한 일상품의 낯선 배치로 익숙함과 낯섦을 동시에 선사하여 잔잔한 일상에 파동을 느끼게 한다. 또한, 그런 과정을 통해 공간 전체가 ‘가짜’임을 깨닫게 함으로서 공간 자체가 하나의 작품이 된다. 이번 작품은 같이 있을 수 없는 두개의 요소가 하나를 이룬 작품으로 흥미를 더한다.

Ha Taeim and Huh Myungwook express their deep inner feelings abstractly in color, Ha Taeim (b.1973-) expresses the movement of brushstrokes that reveals her touch with rhythmic color bands and shares her experience with color to communicate with the viewers.

한편, 하태임과 허명욱은 색(Color)로 작가의 깊숙한 내적 감정을 추상적으로 표현하는데, 하태임(b.1973- )은 작가의 손길이 그대로 드러나는 붓질의 움직임을 리듬감 있는 색띠로 표현하고, 관람자와 색에 대한 경험을 공유하며 교감한다.

Huh Myungwook (b.1966-) shares the weight of time with the visitors through paintings obtained from repetitive acts of overlapping color of the day and drawings over a long period of time with a material from nature called lacquer(Ottchil).

허명욱(b. 1966-)은 옻이라는 자연에서 얻은 소재로 오랜 시간 동안 그날의 색과 드로잉을 중첩하여 반복적인 행위로 얻은 회화를 통해 관람객과 함께 시간의 무게를 공유하고자 한다.

Chiharu Shiota (b.1972-) uses the fear of death she felt, a human’s finiteness and its unsettling inner side as her main subject, and continues to reflect on the personal existence and identity. The artist does not confine herself to one specific area but rather deals with a various media to express her trauma of death, and this exhibition, in particular, greets the audience with her sculpture pieces.

마지막으로 시오타 치하루(b.1972- )는 본인이 직접 느낀 죽음에 대한 두려움을 인간의 유한함과 그에 따르는 불안한 내면을 작업의 소재로 삼고 인간의 존재와 정체성에 대한 성찰을 끊임없이 한다. 작가가 느낀 죽음 대한 공포와 경험을 하나의 영역에 국한하지 않고, 다양하게 풀어내는데 이번 전시는 조각으로 표현된 작품으로 관람객을 맞이한다.

Art (Artwork) provides the chance to explore another world through new aesthetic experiences and is now developing as a participatory attitude rather than a contemplative attitude of artwork-artist and artwork-appreciator. Accordingly, the exhibition will serve as an opportunity to see the meaning and vitality of our lives as we currently live in a society that has changed significantly due to the spread of prolonged COVID-19. Online exhibitions organized by Gana Art is expected to communicate with the public through various platforms and to introduce artistic trends regardless of boundaries of art without any restrictions from time and location.

예술(작품)은 새로운 미적 경험 속에서 또 다른 세계를 만나는 기회를 부여하며, 이제는 작품-작가, 작품-감상자의 관조적 태도의 예술이 아닌 참여적 태도의 예술로서 발전하고 있다. 그에 따라 이번 전시는 코로나19 바이러스 확산이 장기화 되면서 많이 변한 현 사회에 살아가는 우리들의 삶에 대처로 보고 삶의 의미와 생기를 불어넣어 주는 계기되길 기대한다. 가나아트의 온라인 전시는 다양한 채널을 통해 대중과 소통하고, 공간에 대한 제약에서 벗어나 미술의 경계 구분없이 넒은 영역의 예술적 동향을 국내외에 소개할 예정이다.